ДЕСЯТЬ СОВЕТОВ НАЧИНАЮЩИМ КОМПОЗИТОРАМ

1. МУЗЫКА  - ЭТО ДЕКОРАЦИЯ ВРЕМЕНИ

Вы – как художник, собирающийся нарисовать картину, однако вместо холста у вас есть время, которое нужно заполнить. Думайте о длительности времени между началом и окончанием вашей композиции как о холсте. Его вы будете заполнять музыкой. Так же как есть бесконечное количество вариантов цвета, которые можно нанести на холст, нет никаких ограничений по музыке, которой вы заполните эти временные рамки.

2. МУЗЫКА ВЫРАЖАЕТ ТО, ЧТО МЫ САМИ ХОТИМ, ЧТОБЫ ОНА ВЫРАЖАЛА

Едва ли можно создать музыку, которая будет однозначно представлять что-то конкретное и объективное из реального мира. Даже самая схематичная музыка схематична лишь потому, что композитор хочет, чтобы мы знали, о чем эта музыка. Театр, живопись, скульптура, даже танец – все это может говорить о чем-то конкретном, с музыкой все сложнее.

Однако…

3. МУЗЫКА ХОРОШО ПЕРЕДАЕТ ЭМОЦИИ

Музыка способна выражать эмоции множества людей, минуя конкретные обстоятельства и ситуации. Во-первых, решите, о чем ваш отрывок. Пусть объективно он и не будет ничего представлять, однако это не значит, что он не может представлять чего-то важного лично для вас. Какие чувства вызывает у вас тема отрывка? Одиночество? Радость? Благоговение? Каким бы ни был ваш ответ, используйте его как эмоциональный фундамент, который поможет вам находить идеи по ходу сочинения.

В процессе останавливайтесь и думайте, совпадает ли сочиненное вами с вашей изначальной идеей? Вызывает ли те же эмоции? Если все так, то велика вероятность, что и ваши слушатели почувствуют то же самое.

Если вам сложно выразить словами эмоции, которые вы хотите передать, постарайтесь слушать других композиторов, которые умело создавали похожие эмоции. Чем они достигли того, чего хотите достигнуть вы? Это мелодии? Это выбор инструментов? Какие гармонические прогрессии использовали эти композиторы?

4. СЛУШАЙТЕ, СЛУШАЙТЕ, СЛУШАЙТЕ. А ПОТОМ КРАДИТЕ

Пусть это и клише, но это правда: хороший композитор заимствует, великий композитор крадет. Если у вас есть хоть какие-то проблемы с этим, пора менять образ мышления. Что делали все творческие люди перед тем, как овладеть мастерством? Как Леонардо Да Винчи научился рисовать? Как Микеланджело научился делать скульптуры?  Как Моцарт написал гаджиллион в том возрасте, в котором большинство из нас смотрят покемонов по телевизору?

Они копировали мастеров, которые жили раньше них.

Едва ли вы станете лучше, если не научитесь критически слушать то, что делают другие. Найдите композитора или двух, которые действительно нравятся, и очень внимательно изучите их работу. Слушайте их музыку снова и снова с нотами перед глазами. Делайте пометки. Делайте собственные зарисовки на фоне их идей.

5. ИСПОЛЬЗУЙТЕ ТВОРЧЕСКИЙ ЦИКЛ

Сочинение композиции занимает время. Нашим коллегам-сонграйтерам порой приходится немного легче: цепляющий текст, хороший хук, продакшн – и песня готова. Что касается типа музыки, о которой мы говорим, то здесь все сложнее. Если вы сочиняете какой-то отрывок довольно долго, очень легко потеряться, ответить себе на вопрос, где вы находитесь и чего именно хотели достигнуть изначально.

Если вы создаете что-то из ничего, вам необходим план, и этот план – это творческий цикл. Каждый раз, когда вы садитесь за сочинение, записывайте все, что вам необходимо сделать в конкретный день. На следующий день просмотрите/прослушайте сделанное и создайте новый план на основе этого.

Такие заметки помогают не потеряться, помогают отслеживать прогресс. В записанных от руки идеях и планах есть определенная сила. Они превращают туманные мысли в простые элементы списка, которые особенно важны при создании такой абстрактной вещи, как музыка.

6. НЕ ПОЗВОЛЯЙТЕ НОТНОМУ ЛИСТУ ВЗЯТЬ ВАС В ПЛЕН

В наши дни многие люди сочиняют музыку прям в программах Sibelius и Finale, и даже в Ableton Live и Logic Pro. И в этом нет ничего плохого, за исключением лишь того, что в этих программах есть несколько основных настроек, которые порой мешают творить свободно.

Я имею в виду тактовые черты и размеры. Например, открыв пустой документ в Sibelius, очень легко попасть в плен к этим небольшим «коробочкам» с ритмом. Разумеется, они нужны, и призваны помогать композитору, но для многих строгость этих линий – убийство фантазии.

Лучше всего импровизировать, записывать эти импровизации на диктофон, а затем транскрибировать их. Или же записывать ноты от руки. Забудьте о тактовых чертах и размерах, позвольте себе найти вайб и просто сыграть то, что вы хотите сыграть – потом вы непременно найдете способ записать сочиненное.

7. ИССЛЕДУЙТЕ КРАЙНОСТИ

Одно из самых частых критических замечаний, которое получают мои ученики - это то, что все всегда мило и безопасно, когда вы находитесь «в середине». Наиболее очевидным все становится, когда ты просто смотришь на реестры, в которых сочинял композитор. Я всегда вижу, когда он просто хочет оставаться в зоне комфорта.

У каждого инструмента есть свои крайности. И, конечно же, они не предназначены для ежедневного использования. Но если вам хочется создать настоящую драму, вывести эмоции на полную громкость, но забудьте о полумерах и исследуйте самое дно и самые вершины инструментов.

Я не говорю, что нет хорошей музыки, написанной «полутонами», но если вы отказываетесь исследовать крайности, вы лишаете себя возможности получить более богатую палитру звука. Попробуйте сочинить что-то очень медленное. Попробуйте сочинить что-то экстремально тихое. А затем переключайтесь на противоположные крайности. Все, что находится посередине – относительно безопасно, места же, где мы узнаем больше о себе и своих возможностях – они всегда в крайностях.

8. НЕ ПРИВЯЗЫВАЙТЕСЬ К МАЖОРУ ИЛИ МИНОРУ

Переосмыслите свое отношение к тональностям в целом. К чему мы привыкли? Мажорная тональность – это бодро и радостно, минорная – это грустно и меланхолично. Что это за параметры, которые делают их радостными и грустными? Это ведь не отдельные ноты, которые отвечают за это, ведь если бы это было так, то каждая отдельная минорная или мажорная гамма вызывала бы совершенно разные эмоции. Все дело в интервальных отношениях между нотами.

Кто знает, откуда это взялось: может быть, наше восприятие мажора и минора обусловлено культурой, в которой мы воспитываемся, а может быть, это что-то глубокое и первобытное. Но говоря о радостности одной тональности и меланхолии другой, мы все упрощаем – на практике тональности можно использовать очень по-разному.

Таким образом, тональность пьесы - и, следовательно, ее эмоциональный мир - определяется интервальными отношениями между нотами, которые вы используете внутри нее. Осознавая это, вы можете создать очень точную и детальную палитру меняющихся эмоций, вместо того, чтобы выбирать конкретно что-то одно – мажор или минор.

 9. ИЩИТЕ БАЛАНС МЕЖДУ ПРЕДСКАЗУЕМОСТЬЮ И НЕПРЕДСКАЗУЕМОСТЬЮ

Если ваша музыка предсказуема, люди будут думать: «Ладно, ладно, окей, я понял», заскучают и поспешат выключить ее.  Если же она будет слишком непредсказуема, мысли будут примерно такими: «А что вообще происходит?», что тоже приводит к описанным выше результатам, однако не из-за скуки, а из-за чувства потерянности. Вам необходимо искать баланс.

Вы создаете новый мир, в котором слушатель никогда до этого не был. Вы – его проводник. Если вы появляетесь из ниоткуда, хватаете его за шкирку и, ничего не объясняя, уносите далеко-далеко, то очень скоро слушатель начнет бояться того, что его может ожидать «за углом». С другой стороны, если вы, обещая что-то захватывающее, предлагаете поход на игровую площадку за домом слушателя, где он был уже тысячу раз, он потребует свои деньги обратно. Вы должны взять слушателя в удивительное путешествие, но дать ему ориентиры, благодаря котором он подумает: «О да, я помню это, мне понравилось. Интересно, что дальше?»

Когда вы пишете музыку, спрашивайте себя, не скучно ли вам, не чувствуете ли вы себя потерянными. Если ответ будет положительным, то с большой вероятностью ваши слушатели почувствуют то же самое. Ищите баланс.

10. ТВОРЧЕСТВО И КРИТИКА НЕ ПРОИСХОДЯТ ОДНОВРЕМЕННО

Одна из самых распространенных причин творческого ступора – это то, что мы начинаем себя критиковать в то время, как создаем что-то.

Представьте себе, что в комнате, где вы пишете музыку, у вас за спиной стоит кто-то и постоянно комментирует: «Ой, мне кажется это не очень…», «Ты чего, и правда собираешься это сделать? Лучше сразу себя похорони», «Думаешь, [вставьте имя музыкального кумира] так бы сделал? Очень сомневаюсь». 

Что бы вы сделали, найдись такой человек? Разумеется, пинками прогнали бы его из комнаты. Он может быть умнейшим и самым чувствительным к музыке человеком на земле, но едва ли вы сможете что-то написать, если в это же время он критикует вас.

Думаю, аналогия тут предельно ясна: этот человек здесь – ваш внутренний голос. К сожалению, нельзя выдворить за дверь свою собственную голову, поэтому необходимо примириться с собой и пообещать себе не подвергать свое творение критике, пока не поставлена точка в сочинении. Для этого нужна третья стадия творческого цикла.

Вовсе не значит, что нужно полностью отказываться от критического взгляда в процессе. Но вам необходимо позволять идеям входить в вашу голову, давать им шанс, вместо того, чтобы сразу отталкивать их, толком не присмотревшись. У вас будет все время в мире, чтобы хорошенько отчитать себя за промахи, когда вы смотрите на уже сделанное. Но не ругайте себя прямо во время написания.