5 СИСТЕМ ОБУЧЕНИЯ ДЕТЕЙ МУЗЫКЕ

1. МЕТОД ШИНИЧИ СУДЗУКИ

Одна из самых известных и распространенных по миру методик. Доктор Судзуки был известен тем, что учил детей исполнять музыку с самого раннего возраста. Мир был поражен его ансамблями, состоящими из сотен 4-5-летних скрипачей, исполняющих музыку Моцарта, Вивальди, Бетховена и других. В чем состоят основные положения мастера?

А) Все дети музыкальны. Впрочем, это распространенное мнение среди авторов систем музыкального образования. Все дети понимают и чувствуют музыку, без исключения. Задача родителя - вовремя распознать проявление интереса и развить его на практике.

Б) Обязательное условие для учителя – искренняя любовь к детям. Доктор Судзуки был уверен, что невозможно добиться успеха в музыкальном (как и в любом другом) воспитании, если оно не построено на любви к детям. Можно быть строгими и требовательными, но надо любить ученика. Притворяться и играть в любовь невозможно. Дети тонко чувствуют фальшь и занятия, построенные не на любви к ребёнку, обречены на провал.

В) Главные учителя — родители. Потому что никто так, как родители, не любит своих детей. Папы и мамы становились для учеников Судзуки главными помощниками, а порой и главными учителями. Они присутствовали на занятиях. Они занимались дома с детьми. Они сами учились играть на скрипке вместе с детьми.

Однажды доктор Судзуки посетил инкубатор, где выращивались японские жаворонки. В огромном тихом помещении хранились сотни яиц, а рядом с ними находилась птица-учитель, которая пела свои песни. Только вылупившись, птенцы начинали повторять ту же самую песню, а спустя какое-то время развивали свою собственную манеру. Мастера поразил тот факт, что крошечный мозг птицы способен моментально копировать звуки, и в такое короткое время находить собственную интонацию. Это натолкнуло его на мысль о том, что более развитый человеческий мозг может гораздо больше. Когда его приятель попросил научить своего трехлетнего ребенка играть на скрипке, Судзуки отказался из-за того, что ребенок физически слишком мал для игры на инструменте. Но спустя некоторое время он начал мастерить маленькие скрипки специально для малышей и давать им уроки. Дети, копируя его движения, очень быстро учились играть и овладевали мастерством к пятилетнему возрасту.

Цель музыкальных занятий с малышами определял сам учитель так: "Моя задача не воспитать музыканта, а через музыку воспитать хорошего, благородного человека".

2. СИСТЕМА КАРЛА ОРФА

Немецкий композитор Карл Орф придумал систему музыкального воспитания, которая, рассчитана не на избранных, не на имеющих специальную музыкальную подготовку, а на всех детей. Её суть - в развитии творческой фантазии, в элементарном музицировании. В игре на простейших, в основном, ударных, шумовых музыкальных инструментах. В движении под музыку. В инсценировании детских песенок и сказок. То есть в том, что дети особенно любят и делают с удовольствием. Тем более, что такие танцы и движение сопровождаются не только игрой на ударных музыкальных инструментах (барабанах, ложках, ксилофоне и т.п.), но и "звучащими жестами" — хлопками, шлепками по бёдрам, топаньем ногами, щелчками пальцами, цоканьем языком и проч.

Всё это не только превращает музицирование в радостное, увлекательное действие, но и формирует творческую фантазию, прививает любовь к пению, развивает чувство ритма.

Метод Орфа получил называние Шульверк – это концепция, особый взгляд на музыкальное образование детей, основанное на коллективном музицировании. Шульверк (Schulwerk)  - сочетание двух слов - Schule (школа) и Werk (работа, умение что-то делать искусно). Действие - основа музыкального воспитания по Карлу Орфу. В своем сборнике Орф собрал фольклорные произведения того времени, когда музыка, речь и движение были неразрывны. Он мечтал возвратить педагогов к гармоническому синтезу речи и движения как к истокам музыки, ее первоосновам. При этом, Орф хотел дать толчок фантазии педагога, чтобы тот в свою очередь показал малышам, что такое импровизация, как можно относиться к музыке творчески. Переосмыслять ее заново.

Система рассчитана на участие нескольких детей, но, проявив некоторую фантазию,  вполне можно применять ее элементы и в занятиях с одним ребёнком дома. Вспомним песню "Добрый жук" ("...Встаньте дети, встаньте в круг"):

Что нужно делать?

Придумать вместе (подчёркиваем — вместе) с ребёнком танцевальные движения. Например: шаг в сторону — притоп. Шаг в другую сторону — притоп. На припеве хлопанье в ладоши. Движения, имитирующие жука. Например, вы прыгаете, сгорбившись, на согнутых ногах, с поднятыми как рога пальцами.

Сопровождать танец и пение игрой на любых шумовых инструментах и (или) некоторыми "звучащими жестами", о которых мы уже говорили.

Обыграть сюжет. Например, на слова "встаньте в круг" двигаться по кругу.

Папы и мамы (бабушки, дедушки) тоже могут "впадать в детство", что иногда бывает приятно, — танцуют и поют вместе с ребёнком.

3. СИСТЕМА ЗОЛТАНА КОДАЯ

Венгерский композитор, как и Д. Кабалевский, большое значение придавал музыкальному воспитанию детей. Вот несколько основных положений его системы.

Как и Судзуки, Кодай утверждал: нет немузыкальных детей. Немузыкальные взрослые — это те, музыкальность которых в детстве не была замечена и развита. Поэтому Кодаи, пользовавшийся в Венгрии большим авторитетом, сумел добиться того, чего никогда не было ни в одной стране мира — уроки музыки в обычной, общеобразовательной школе стали ежедневными и занимали больше часов, чем все другие предметы.

Главное в музыкальном воспитании — пение и записывание мелодии по слуху. Именно этому, в основном, учили в венгерской школе. Лучший и самый доступный инструмент — голос, считал Кодаи. Поэтому пение важнее, чем игра на инструменте.

Воспитание человека не может быть полным без музыкального воспитания. Воспитание хорошего музыкального вкуса, по Кодаи, не только семейное дело, но важнейшая общественно-государственная задача.

Как метод раннего музыкального воспитания Золтан Кодаи предлагал воспитателям, особенно папам и мамам, учить детей ходить и хлопать в ритме песни.

Золтан Кодай выделял четыре элемента, которые отличают музыкального человека от немузыкального: развитый слух, развитый интеллект, развитые чувства и развитые руки.

Многочисленные исследования подтверждают, что метод Кодали, которые применяют в разных странах мира уже больше 30 лет, развивает чувство ритма, закладывает основы музыкальной грамотности, навыков чтения и счета.

Вот несколько советов Кодали, как петь с детьми младше пяти  лет:

- Пойте без аккомпанемента;

- Выбирайте короткие песенки с движениями;

- Повторяйте песни – дети обожают повторы;

- Изменяйте темп;

- Всегда хвалите детей;

- Выучите тридцать песенок: слова вы должны знать очень хорошо, так как ваша уверенность передается детям.

4. СИСТЕМА ЭМИЛЯ ЖАК-ДАЛЬКРОЗА

Эмиль Жак-Далькроз - швейцарский педагог, композитор, общественный деятель, создатель системы музыкального ритмического воспитания. Занимаясь в Женевской консерватории со студентами, Далькроз обратил внимание на то, что далеко не все могут точно координировать движения при игре на музыкальном инструменте.

Понимая, что ритм связан с моторикой, он начал вводить на уроках сольфеджио различные ритмические упражнения. Так постепенно им была создана система ритмической гимнастики, которая впоследствии стала называться ритмикой. В отличие от обычной гимнастики, подчиненной только метру, в ритмической гимнастике Далькроза все движения шли от музыки. С усложнением ритмических заданий выявлялась и воспитательная роль уроков ритмики. Они развивали у студентов внимание, сосредоточенность, укрепляли волю, стремление достичь поставленной цели, вырабатывали слаженность действий всего коллектива. Занятия ритмикой положительно влияли также на общий тонус учащихся, снижая утомляемость.

Свой метод ритмического воспитания Далькроз изложил в ряде статей и книг. В 1910 году он возглавил Институт музыки и ритма в Хеллерау (под Дрезденом, а в 1915 году – Институт Жак-Далькроза в Женеве. Вскоре подобные учебные заведения были созданы последователями швейцарского педагога во многих странах Западной Европы, в Америке, Японии.

В России ритмическая гимнастика также была воспринята с энтузиазмом. Ритмическая гимнастика преподавалась в самых разных учебных заведениях – балетной школе Преображенской-Москалевой и Женском медицинском институте, на Высших Бестужевских курсах и актерских курсах С. Ф. Халютиной, в музыкальных школах, в частных домах и т. п. – причем занятия вели выпускники института в Хеллерау, получившие авторскую методику «из первых рук».

Позднее ритмикой стали заниматься актеры театров Е. Б. Вахтангова, В. Э. Мейерхольда, А. Я. Таирова, оперной студии К. С. Станиславского. Преподавание велось в более чем семидесяти педагогических учреждениях – детских садах, школах, средних и высших музыкальных, балетных и театральных учебных заведениях.

В 60 – 70-е годы активно разрабатывались положения терапевтической ритмики (для людей, страдающих нервными расстройствами, речевыми дефектами, особенно логопедическое направление. Курс «Терапевтическая ритмика» существовал в Педагогическом институте имени Ленина (кафедра дефектологии).

С уходом мастера и его учеников ритмика приобретает иное содержание, форму и методы работы. Ритмисты, по-своему преломляя принципы учения Э. Жак-Далькроза, создают собственные методики. Но зерно его открытия сохраняет свою несомненную ценность и по сей день.

5. МЕТОД ХЕЛЕН ХАЙНЕР

И немного о более новом методе, в некоторых случаях противоречащем трем первым методикам. Хелен Хайнер (Елена Николаева) окончила московскую консерваторию по классу фортепиано, позже переехала в США, где уже около 30 лет работает в музыкальной школе и даёт частные уроки. Она написала книгу под названием "Стать музыкантом? Легко!", в которой делится своим опытом музыкального воспитания. Опытом, в котором, безусловно, присутствуют некоторые оригинальные моменты. В том числе, и те, которые могут заинтересовать пап и мам.

Основное положение: воспитать хорошего слушателя музыки важнее, чем воспитать музыканта. Многое зависит от того, какие цели ставить перед собой учитель. Хайнер считает, что не стоит специально ставить перед учеником профессиональные задачи. Не стоит изо всех сил (как это принято в российских музыкальных школах) пытаться поднять ребёнка на профессиональный уровень.

Лучший способ музыкального развития ребёнка — обучение на фортепиано. Не слушание музыки, не пение, а обучение игре на фортепиано. Причём, фортепиано, (не скрипка, не блок флейта, не шумовые инструменты К. Орфа), по мнению Хелен, подходит для этой цели лучше всего. Другими словами, лучшие уроки музыки — занятия на фортепиано. Всё остальное (игра в оркестре, пение в хоре) малопродуктивно и потому не нужно. Отсюда вывод: на фортепиано надо учить всех детей. Причём Хелен предпочитает для обучения электронное фортепиано. На нём можно играть разными голосами, что интересно ученику. На нём можно записать и прослушать игру ребёнка. Что тоже важно.

Учить, строго соблюдая правило: от простого к сложному. Этот дидактический принцип, по мнению Хайнер, должен лежать в основе обучения игре на инструменте. Главное для учителя — найти тот постепенный путь (не перепрыгивая через ступеньки), по которому ребёнок сможет медленно, но верно подниматься наверх. В этом и состоит, по мнению американской учительницы, его искусство. Всё чрезмерно сложное неминуемо вызовет у маленького ученика негативное отношения к занятиям.